viernes, 22 de mayo de 2015

Recomendación de teatro para mayo



Apuleyo Soto Pajares, nació en Cozuelos de Fuentidueña (Segovia) en 1942. Estudió Magisterio y Filosofía y Letras y cuenta además con la diplomatura de Literatura Infantil.

Hombre de muchos oficios en el mundo literario (poeta, dramaturgo, periodista, librero, cronista, pregonero, cuentista…), siempre ha orientado su labor a difundir la cultura en ámbitos muy diversos: desde dirigir programas infantiles de radio, hasta organizar veladas poéticas en la IE University de Segovia, pasando por colaborar en distintas publicaciones como El Adelantado de Segovia o visitar colegios en programas de animación a la lectura.
Sus obras teatrales infantiles y juveniles son muy representadas por los escolares  y, tanto su teatro como sus poesías, aparecen en libros de texto. Las piezas dramáticas de Apuleyo se caracterizan por el afán didáctico, por la atmósfera poética que envuelve los textos y por el protagonismo que siempre concede a la música, incluyendo en la edición, las partituras de cada pieza.

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De este autor segoviano os presentamos en primer lugar  “Los amores del Arcipreste”, actualización de “El Libro de Buen Amor” de Juan Ruiz en la que, con un lenguaje más actual pero usando expresiones arcaicas, Apuleyo Soto hace una versión un tanto jocosa de las andanzas del Arcipreste de Hita,  por caminos de uno y otro lado de la sierra, a caballo entre Madrid, Segovia y Guadalajara. Al trasladar la acción al teatro, da más agilidad al texto, lo acerca a los lectores jóvenes y lo enriquece con matices, que aportan los tipos característicos de personajes que protagonizan  las aventuras.





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“El buey de los cuernos de oro” y “El país de la luna grande” nos hablan de la importancia de la imaginación: el hecho de usar la fantasía nos ayuda a vivir mejor y a ser más felices, aunque haya que pelear constantemente con la realidad. “Una casita roja” es la historia de un jovencito que no sabe lo que quiere ser de mayor, pero que tiene curiosidad por aprender todo lo que aparece ante sus ojos.




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“Doña Noche y sus amigos” y “El circo” nacieron de la mente de este creador, como obras independientes, pero se unieron para crear un espectáculo y en esta edición el autor nos muestra también cómo se haría la transición de una a otra. Ambas obras son fantasías de música, poesía, luz y color; un desfile de personajes perfectamente identificables que nos hablan de sentimientos positivos y nos enseñan a saber mirar lo que hay a nuestro alrededor. “Cuento de brujas” también juega con lo fantástico para transmitirnos un mensaje didáctico, signo de identidad del teatro juvenil de Apuleyo que ha sido reconocido por la comunidad escolar con la representación de sus obras.





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“El príncipe que se quería casar” es una farsa que, además de divertirnos, permite reflexionar sobre temas de interés y actualidad; teniendo como atractivo añadido el estar escrito en verso, que ayudará a memorizar el texto, si os decidís a representarla.








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viernes, 15 de mayo de 2015

Recomendación de poesía para mayo



Apuleyo Soto Pajares, nació en Cozuelos de Fuentidueña (Segovia) en 1942. Estudió Magisterio y Filosofía y Letras y cuenta además con la diplomatura de Literatura Infantil.
Hombre de muchos oficios en el mundo literario (poeta, dramaturgo, periodista, librero, cronista, pregonero, cuentista…), siempre ha orientado su labor a difundir la cultura en ámbitos muy diversos: desde dirigir programas infantiles de radio, hasta organizar veladas poéticas en la IE University de Segovia, pasando por colaborar en distintas publicaciones como El Adelantado de Segovia o visitar colegios en programas de animación a la lectura; de hecho, sus obras teatrales infantiles y juveniles son muy representadas por los escolares  y, tanto su teatro como sus poesías, aparecen en libros de texto.  

Desde aquí, queremos contribuir a que conozcáis su obra poética o a que la disfrutéis si ya os es familiar. La poesía parece brotar de forma natural de la mente y la pluma de Apuleyo Soto, en una fiesta de rimas y juegos de palabras, que con su musicalidad  nos atrae y con su agudeza nos hace reflexionar y  disfrutar. Bebe de los clásicos en la métrica, los temas universales y el dominio y riqueza del lenguaje; pero no por ello deja de ser actual y sus críticas siempre están acompañadas de un gran sentido del humor.


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“Vida privada”. El título nos habla del contenido de este poemario: se trata de un recorrido por los periodos existenciales del autor, divididos en varias partes que tienen cada una,  una unidad temática. En Adolescencia y Amanecer del hombre, se mezclan las raíces, los recuerdos, los anhelos y las ansias, la urgencia del amor y de la vida que se descubre en los primeros años; en definitiva, la lucha entre los que nos ancla a un espacio y un tiempo determinados y la ilusión por lo que ha de venir. Hombres, nombres y geografías, evoca lugares, personas anónimas y también grandes genios de las artes y las letras, todos ellos significativos para el autor. Corazón viajero, con un título igualmente certero, describe una historia de amor, asociada a los lugares donde se desarrolló. Amor de carne y hueso recoge los poemas más sensuales, la realización personal, la plenitud del ser a través del amor compartido. Primera desesperación lo componen poemas de desencanto con la vida, con las personas, con el paisaje, con los sentimientos. La tristeza de constatar lo negativo de este mundo; sin embargo también surge la esperanza para poder seguir adelante.


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“Campo de sonetos en rama”. Desde su retiro bucólico escribe el autor este libro de poemas en el que se entrelaza la cultura con la agricultura. Podemos distinguir tres temas generales:
-          El campo como opción vital y como fuente de reflexión humana: el ambiente de placidez, de armonía, entre silencios, colores, olores y sonidos en el entorno rural, propician  el desarrollo del pensamiento.
-          La relación con la tierra representada  por un toma y daca, una lucha continua. El poeta describe las tareas de la huerta y establece un paralelismo con la escritura y con las peripecias cotidianas de nuestra existencia.

-          Por último, los animales que se disputan con Apuleyo el disfrute de los productos obtenidos por el trabajo del poeta-agricultor y que éste defiende con uñas y versos.




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viernes, 8 de mayo de 2015

Rincones olvidados: Historias llenas de bibliotecas

Historias llenas de bibliotecas

Queda ya poco para que la biblioteca deje el edificio de la vieja cárcel, donde hemos estado cerca de 70 años acumulando muchas anécdotas e historias. En este espacio de “Rincones olvidados” hoy tocaba hacerle un pequeño homenaje a ella, hablando de lo más apropiado que he encontrado, de historias sobre bibliotecas. Siempre han sido un importante elemento inspirador para muchos autores, que de una u otra manera las han utilizado para contarnos historias. Su propio desarrollo cronológico contiene hechos y acontecimientos de lo más novelesco. Hagamos un breve repaso por él.

Tened en cuenta que las bibliotecas nacen prácticamente a la vez que el libro, ante la necesidad de su guarda y custodia; tablillas de arcilla primero y, después, rollos de papiro y pergamino se acumulaban en las primeras bibliotecas de los templos, palacios y casas de los nobles. Entre aquellas primeras bibliotecas de la Antigüedad, destaca la legendaria biblioteca de Alejandría, lugar de erudición y estudio que pretendía recoger todo el saber de la época. Desgraciadamente, esa brillante civilización clásica sucumbió poco después y sus bibliotecas también. Este ocaso lo pretende reflejar la película de Alejandro Amenábar Ágora”, donde Hipatía representa un mundo que desaparece en los convulsos tiempos del final de la Antigüedad clásica.

En la Edad Media, las bibliotecas se sitúan en los monasterios, guardianes de la pequeña parte del legado de la civilización clásica que sobrevivió. Una de las labores más importante de los monjes consistía en copiar estos textos clásicos, sobre todo los que servían para su función evangélica. “El nombre de la rosa”, tanto la novela de Umberto Ecco como la película de Jean-Jacques Annaud, muestra el ambiente de los monasterios de aquella época y sus “scriptorium”, donde los monjes pacientemente realizaban los manuscritos que llenaban sus bibliotecas. Y aunque la llegada de las universidades y de las primeras colecciones reales o aristocráticas modificó un poco el panorama de las bibliotecas, fue la invención de la imprenta la que desencadenó una serie de importantes cambios. La
novela “El taller de los libros prohibidos” de Eduardo Roca, a golpe de ficción, adelanta unos años la invención de la imprenta a manos de un humilde orfebre y nos muestra los problemas a los que se enfrentará el invento, visto con temor por aquellos privilegiados que no querían que el conocimiento y la cultura dejaran de estar exclusivamente en sus manos. Y no era para menos, ya que la posibilidad de poder hacer muchas copias de un mismo libro, más rápido y barato, posibilitó la difusión del conocimiento, la alfabetización de la población y, precisamente por ello, la aparición de muchas más bibliotecas hasta nuestros días.


Como veis los grandes hechos de la historia de las bibliotecas son la perfecta excusa para inventar historias, pero lo que más me fascina de este tema que he escogido es que muchos autores imaginan la biblioteca como un lugar lleno de misterios, asesinatos e, incluso, tramas conspiratorias. Si os gustan este tipo de intrigas, una pequeña selección de esta literatura de misterios bibliotecarios podría comenzar con “La biblioteca de oro” de Gayle Lynds, siguiendo con la “La gran complicación” de Allen Kurzweil, “Los amantes encuadernados” de Jaime de Armiñán o la trilogía de Glenn Cooper “La biblioteca de los muertos” y sus secuelas “El libro de las almas” y “El fin de los escribas”.

Sin embargo, como bibliotecaria sé que las bibliotecas hace mucho que no son esos lugares cerrados e inaccesibles que pudieron alimentar este tipo de novelas. Por el contrario, la biblioteca es un lugar abierto a la sociedad cuyo principal valor es ayudar a nuestros usuarios. Entonces, la biblioteca se convierte en lugar de aprendizaje, superación o refugio. Por suerte, la literatura también ha encontrado inspiración en ello. Me viene rápidamente a la memoria la maravillosa “Matilda”, de Roal Dahn, la inteligente niña que tiene que lidiar con la estupidez e incomprensión de su entorno y que encuentra en los libros, y en la tierna bibliotecaria señora Phels, buena parte del refugio que necesita. “Una lectora nada común” de Alan Bennett, original novela que se plantea la tardía pasión lectora de la reina Isabel II de Inglaterra gracias a su fortuito encuentro con los servicios de un bibliobús. “La bibliotecaria de Auschwitz” de Antoni G. Iturbe es otro homenaje a la labor del bibliotecario, esta vez una bibliotecaria muy especial, una niña que, en el tristemente conocido campo de concentración, desempeña una peligrosa pero necesaria labor, proveer de libros a sus compañeros de cautiverio en un lugar en el que están prohibidos.

Por lo que se ve los libros y las bibliotecas son, para algunos, elementos peligrosos. En mi última recomendación os propongo “Fahrenheit 451”, inquietante novela de Ray Bradbury que nos muestra un mundo futuro donde  los libros y la lectura están prohibidos, y la cultura visual ejerce todo su poder de manipulación. Una magnífica narración que esperemos no sea premonitoria.
Y esto es todo amigos, como diría algún personaje de la Warner. Nuestra biblioteca emprendió su andadura en el edificio de la vieja cárcel en 1947, en medio de las carencias de una postguerra. Me puedo imaginar que la biblioteca resultó, para muchos, un lugar donde evadirse y refugiarse. Con los años fue progresando a la par que el país, aunque ya sabemos que la cultura no mejora al mismo ritmo que otras cosas, quizás por eso hemos tardado tanto en tener otro edificio para sustituir a éste que quedó hace mucho tiempo pequeño e incómodo.


No ha sido nuestra historia tan apasionante como la reflejada en algunas novelas que he mencionado, lo que sí me gustaría pensar es que hemos ayudado a muchas personas en su aprendizaje, quizás a encontrar su vocación o simplemente a disfrutar; estos, y otros muchos, son los grandes triunfos de las bibliotecas, sobre todo de las bibliotecas públicas. Puede que a algunos les parezcan pequeños, pero para nosotros siempre serán importantes. Hasta pronto.


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jueves, 30 de abril de 2015

Outlaw Pete




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Título: Outlaw Pete
Autor: Bruce Springsteen, Frank Caruso
Editorial: Caelus Books

Sinopsis de la editorial:
Es la historia de un pequeño forajido que asaltaba bancos desde que usaba pañales y que luego no puede dejar de enfrentarse a su destino y sus demonios. Un libro maravillosamente ilustrado por Frank Caruso que le da mucho más sentido a la letra de la canción. Un encuentro de dos grandes artistas que da como resultado un libro único y especial para que disfruten niños de 3 a 103 años.


Autores

Bruce Springsteen lleva en el mundo de la música más de cuarenta años. Ha publicado más de dieciocho álbumes de estudio y ha recibido veinte premios Grammy, un Oscar y ha sido elegido para el Salón de la fama del Rock and Roll. En 2009 recibió los honores del Kennedy Center y en 2013 fue nombrado personaje del año MusiCares por la Recording Academy. El último álbum de Springsteen High Hopes (Columbia) ha sido lanzado en enero del 2014.




Frank Caruso es ilustrador y vicepresidente de servicios creativos de King Features, donde ha sido responsable de cuidar de marcas clásicas como Popeye o Betty Boop. Ha ganado dos Emmys por su trabajo en el programa See More’s Playhouse. Caruso es miembro de la New York Society of Illustrators.








Nuestro comentario

El libro contiene el texto de la canción de Bruce Springsteen "Outlaw Pete", publicada en su álbum Working on a Dream. Esta canción nace de los recuerdos de la infancia del propio Springsteen, de la leyenda del pequeño vaquero Bill, a lo que se ha unido el gusto del autor por las películas del Oeste de John Ford, la música mexicana y el pueblo navajo. Pero no es solo la historia de un forajido, si no que a través de su vida el autor nos habla del destino, de la posibilidad de burlarlo o de cómo nuestros hechos nos persiguen  toda la vida.  El protagonista se inicia en el mundo del delito desde su infancia,  vive fuera de la ley robando y sembrando el terror, incluso, matando. A pesar de ello, Springsteen nos muestra un forajido con problemas morales, que busca consuelo en la iglesia y que decide romper con su vida de malhechor. Nos muestra también una faceta más íntima de Pete, más tierna, dentro de su entrono familiar. SIn embargo, el mensaje del autor parece claro: no podemos huir de nuestro pasado y los hechos cometidos nos acosan y condicionan nuestro presente.
El formato que se ha elegido para su publicación es el de álbum ilustrado, con la letra original de la canción y su traducción al español en la última hoja de guarda, tras un epílogo del autor. El tipo de Ilustración que ha creado  Caruso para esta obra es muy especial, encontrando un equilibrio entre el estilo cartoon empleado con los personajes  y los detalles y los fondos en óleo que aportan texturas y volúmenes.

El vídeo de la canción 


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viernes, 24 de abril de 2015

Recomendación de teatro para abril





Alejandro Jodorowsky (Chile, 1929). Es un hombre polifacético en muy diversos campos: literato, cineasta, historietista y dibujante de cómics, filósofo, psicomago…
Y en todos ellos ha desarrollado infinidad de actividades.

En esta ocasión nos ocupa su oficio de letras y, en concreto, el teatro. Para ello, no podemos dejar de detenernos en el Movimiento Pánico que condicionó su obra dramática.

El Grupo o Movimiento Pánico fue cofundado en 1962 en París, por el dramaturgo español Fernando Arrabal, el artista francés Roland Topor y Alejandro Jodorowsky.
Tiene como antecedentes, por una parte, las primeras obras teatrales de Arrabal y por otra,  las improvisaciones (performances) de Jodorowsky en el comienzo de de su etapa mexicana.

En la década de los 60 coinciden los tres en la capital francesa y entran en contacto con el surrealismo a través de su precursor, André Breton; pero ante las diferencias irreconciliables entre los miembros de este movimiento vanguardista, los tres deciden experimentar por su cuenta. Así surge el Movimiento Pánico, que toma su nombre del dios griego Pan, caracterizado por tres conceptos esenciales: Terror, humor y simultaneidad.

Aunque resulta complejo dar una definición y establecer unas características concretas para este movimiento, digamos que sus creadores pretendían ofrecer al espectador una forma de sobrevivir a esta sociedad carente de valores. Su método consistía en una especie de locura que preservara la libertad del individuo sin olvidar lo racional. Buscar el equilibrio a través de elementos contrarios: “amor y odio, tragedia y comedia, mal gusto y refinamiento estético, el sacrilegio y lo sagrado, lo individual y lo colectivo…”

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Os presentamos “Teatro sin fin (tragedias, comedias y mimodramas)”, recopilación de la obra dramática de Alejandro Jodorowsky, desde sus primeros textos hasta obras actuales; sin olvidar sus escritos de teoría teatral en los que desarrolla el concepto de teatro por oposición a la definición de arte: El objetivo del arte es perdurar en el tiempo; la esencia del teatro es la fugacidad, lo efímero, porque su objetivo final es cambiar a las personas, no conservarse en un museo.

Leyendo sus obras nos damos cuenta de que todo confluye para hacernos reaccionar ante los hechos que se nos plantean; el teatro de Jodorowsky es una continua provocación que no busca escandalizar, sino hacer reflexionar al espectador y que eso se traduzca en un cambio de actitud respecto a la realidad de la que todos nosotros somos partícipes. La temática es muy variada, pero reconoceremos enseguida, situaciones, comportamientos, pensamientos y actitudes que nos resultarán muy familiares, pues forman parte del mundo que nos rodea también en la actualidad.


Si os aventuráis a representar alguno de los textos, (cosa que os recomendamos), especialmente los cortos, veréis que no tienen mucha complicación escenográfica, pues lo realmente importante es el concepto que se quiere transmitir y para ello, hasta el escenario vacío os puede servir. Eso sí, tendríais que emplearos a fondo y poneros a prueba como actores, preferentemente como mimos. Pero os compensará porque cualquiera de las obras será tremendamente enriquecedora tanto para vosotros como para vuestros espectadores.
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viernes, 17 de abril de 2015

Recomendación de poesía para abril



ALEJANDRO JODOROWSKY

Nacido en Chile en 1929, Alejandro Jodorowsky es el artista total: novelista, dramaturgo, poeta, ensayista, director de teatro y cine, guionista, actor, mimo, marionetista, compositor de bandas sonoras, escultor, pintor, escenógrafo, dibujante y creador de historias para cómic, instructor de tarot, psicomago y psicoterapeuta.
Cosmopolita por origen (judío-ucraniano con ancestros de diversas nacionalidades) y por elección (vivió en México, en Nueva York y en Francia, donde reside y cuya nacionalidad comparte con la chilena), ha desarrollado una mente abierta que se interesa por todo lo que le rodea.
Recibió sus primeras influencias artísticas del cine y la literatura, que cuajaron en él rápidamente, pues con tan solo 16 años publicó su primer libro de poesía. De esas mismas fechas es su iniciación como actor y dramaturgo y la fundación con otros amigos, de una compañía de marionetas. También a los 18 años iniciará estudios de Filosofía y Psicología que no terminará; aunque mientras vivió en México pudo ampliar conocimientos psicológicos y místicos que le llevaron a desarrollar otra de sus muchas capacidades, la psicomagia, que sigue ejerciendo en Francia. También durante su estancia mexicana comenzará la aventura del cómic, escribiendo las historias y como dibujante. En este arte se inició como recurso económico para mantener a su familia, pero siguió durante muchos años por vocación.
Como vemos, ya estaban puestas las bases de su posterior carrera artística,  tan intensa como enriquecedora.
En su currículum están hechos destacados: su colaboración con poetas chilenos de renombre, como Nicanor Parra; haber iniciado, con sus improvisaciones surrealistas, lo que luego se conocería en el mundo artístico como “performance”; haber trabajado con el mimo por excelencia, el gran Marcel Marceau; haber fundado en París, entre otros artistas, con Fernando Arrabal, el Grupo Pánico, en la vanguardia teatral; haber colaborado durante casi veinte años con el ilustrador e historietista francés Jean Giraud (Moebius).

 Poemarios:

       


  “No basta decir” (2000) El título de uno de los poemas de este libro (“Poesofía”), viene a resumir, a la vez que define, la obra poética de Alejandro Jodorowsky. Sus versos esconden una interpretación filosófica de la vida: sublimación de lo cotidiano y lo trascendental, de las palabras, del pensamiento, de las relaciones con los otros y con el mundo… Todo lo impregna el deseo de superar, de dejar atrás esta realidad que oprime el espíritu y la razón.


       

           “Yo, el tarot” (2004). Es un ensayo sobre este arte oculto. El autor nos ofrece una visión poética de los arcanos mayores del tarot. El misterio de las cartas que esconden nuestro destino, desvelado por ellas mismas. Cada una de las figuras, acompañada de la imagen que tradicionalmente la representa, se irá presentando con ante nosotros con sus cualidades y su simbología.




         

“Solo de amor” (2006). Lenguaje de amor y desamor, de presencias y ausencias, de sueños y realidades. El autor, siguiendo su propio consejo respecto a escribir poesía, va generando nuevas experiencias con cada verso, va experimentando mientras construye cada poema, creando el futuro de un pasado que no ha existido.





          

“Pasos  en el vacío” (2009). Este poemario es una sucesión de gritos desgarrados, de imágenes imposibles que causan desasosiego. La rebeldía de una mente lúcida contra un mundo sin sentido. La voz del poeta como cuchillo, tratando de rasgar el velo de mentiras y artificios que oculta una existencia deprimente y hueca.









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viernes, 10 de abril de 2015

Rincones olvidados

El bello y olvidado sonido de una viola de gamba



En “Rincones olvidados” procuro hablaros un poco de todo, para que no digáis que me repito. Esta vez quería sacar del olvido algo de música clásica, música antigua para más señas. Ya sabéis que una está abierta a cualquier señal del destino para elegir tema, y esta vez un amigo me la puso en bandeja. Me preguntó si sabía el porqué del nombre de la viola de gamba. Me pareció que la duda bien valía un artículo en esta sección, así que para todos aquellos que tengan esa duda, respondo. Bien, este instrumento obviamente no tiene nada que ver con el delicioso crustáceo; “gamba” es pierna en italiano y la viola de gamba, por tanto, es la viola que generalmente se toca mientras se sujeta entre las piernas. Era una manera de diferenciarla de la viola de “bracchio” que, como habréis deducido, se tocaba sujetándola con el brazo. Aclarado esto, oigamos una viola de gamba en manos de Jordi Savall

 

¿Habéis apreciado cómo se sujeta entre las piernas? ¿Os habéis fijado que el diapasón tiene trastes y en la forma de coger el arco? Parece un violonchelo, pero no caigáis en el error de pensar que es su antepasado, ya que la familia de las violas de gamba y la del violín son diferentes. Durante siglos convivieron aunque en ambientes y funciones musicales diferentes. 
La viola de gamba tuvo su momento de esplendor entre los siglos XV y XVIII, y aunque también era tocada en el ambiente amateur, fue en las salas de los palacios donde se convirtió en la reina indiscutible de las reuniones musicales. Sola o formando pequeñas agrupaciones de cámara, deleitaron al reducido pero selecto público que acudía a ellas. Su sonido bello pero algo apagado era perfecto para los salones aristocráticos de la época. Pero algo empezó a cambiar entre finales del siglo XVIII y el XIX cuando la nueva y pujante clase burguesa trajo nuevos gustos musicales que no la incluían; se imponían las grandes orquestas capaces de llenar de sonido las salas de conciertos. Así fue como la familia del violín, con un sonido más potente y brillante, le ganó la batalla a las violas de gamba, cuya música y presencia desapareció en poco tiempo.
Durante años su música fue olvidada, con el agravante de que no era muy normal tocar música del pasado. Se pensaba que la música que se hacía en ese momento era la mejor y que no había necesidad de retroceder porque era una música superada. La música que se tocaba duraba “en cartel” poco tiempo, pronto otra obra la sustituía y habitualmente no se volvía a ella. Así que por unas razones u otras, la viola de gamba tuvo que esperar a que las condiciones musicales cambiaran para reaparecer digna y elegante, como las viejas damas de la alta sociedad.
A finales del siglo XIX Arnold Dolmetsch, músico y luthier de reproducciones de instrumentos antiguos, estaba empeñado en hacer resurgir la música antigua. En 1890 sorprendió a la sociedad americana cuando él y su familia realizaron su primera actuación formando un “consort” (un grupo de violas de gamba). A partir del trabajo de aquellos pioneros creció el interés por la esa música olvidada y, cómo no, por la vieja viola de gamba. Pero si hay alguien que ha divulgado este maravilloso instrumento como nadie ha sido Jordi Savall; gracias a su empeño investigador ha conseguido sacar del olvido un buen número de obras escritas para este instrumento. Como gran divulgador, el destino le puso en bandeja un proyecto que ayudó a dar a conocer la viola de gamba a mucha gente, la película  “Todas las mañanas del mundo” sobre los violagambistas y compositores Marin Marais y Saint Colombe. Jordi Savall se encargó de la banda sonora, ganando un “César” del cine francés por ello.
Fahmi Alqhaid
Pero la viola de gamba no sólo inspira a la escuela historicista que representa Jordi Savall, nuevos intérpretes apuestan por componer nueva música para ella, aunque no es fácil debido a las reticencias de público e industria que parece no dejarla escapar del ámbito de la música antigua. El violagambista Fahmi Alqhaid, con su formación Accademia del Piacere, quizás sea uno de los más arriesgados e innovadores. Se ha atrevido a mezclar flamenco, música contemporánea o jazz con música antigua y tímidamente a componer alguna obra nueva. Sin embargo, es todavía una excepción en el panorama musical de la viola de gamba que recurre al repertorio tradicional, eso sí, con magníficos intérpretes como Paolo Pandolfo, Nima Ben David o Vittorio Ghielmi.

Este patrimonio musical pertenece, principalmente, a cuatro países: Francia, España, Italia y Alemania. En cada país la viola halló un sonido y unas características diferentes. Empezando por donde surgió, en la España del siglo XV la viola se mezcló con sonidos moriscos. En Italia adquirió su apellido de “gamba” y un notable grado de virtuosismo. Durante el siglo XVII, la viola en Inglaterra disfrutó de un prolífico período tanto en composiciones populares como cultas con una larga lista de compositores, entre ellos Henry Purcell, Orlando Gibbons, Tobias Hume o William Byrd. Pero sin duda fue en Francia donde la viola, con un marcado tinte melancólico, vivió su momento de mayor esplendor con compositores tan conocidos como Marin Marais, Saint Colombe o Antoine Forqueray. Finalmente tuvo un glorioso ocaso en Alemania con uno de los mejores violagambistas de la historia, Karl Friedrich Abel.

Bueno, esta es solo una pequeña muestra de lo mucho que nos puede ofrecer uno de los instrumentos más bellos que existen y, también, espero que el descubrimiento de la viola de gamba sirva a algunos para conocer otro tesoro, la música antigua. Para terminar os dejo un enlace de la carta que escribió Jordi Savall explicando porque renunciaba al Premio Nacional de Música. Se trata de un hermoso alegato en defensa nuestro patrimonio musical, y de la música en general, de alguien que la conoce y ama profundamente. Creo que es un más que adecuado final para este “Rincones olvidados”. 


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viernes, 3 de abril de 2015

Concursos literarios


Como sabemos que te gusta escribir y ahora estás de vacaciones, te ofrecemos una selección de concursos literarios donde puedes participar y ponerte a prueba.

  • XII Concurso Literario "Gustavo Martín Garzo" del IES Arca Real (Valladolid): dos categorías, de 11 a 14 años y de 15 a 17 años. El plazo límite de entrega es el 30 de abril. Puedes consultar las bases en la página del Instituto
  • XXIV Concurso Literario "Consuelo Burell" del IES Giner de los Ríos (Segovia): microrrelatos de 30 líneas como máximo, con las palabras de inicio que vienen indicadas en las bases según la categoría a la que te presentes. El plazo límite de entrega es el 29 de mayo. Toda la información la tienes en esta página.
  • XXI Certamen Literario "Villa de Ermua": puedes optar a dos modalidades, poesía o narrativa, ambas en lengua castellana o en euskera. Es para nacidos en el años 1999 o anteriores. Tienes hasta el 5 de mayo para enviarlo. Encontrarás la información en la página del Ayuntamiento de Ermua.
  • VI Certamen de Cuento Infantil y Relato Corto "Fundación Cardenal Cisneros". La modalidad de cuentos infantiles es para alumnos de Primaria; los relatos cortos son para escritores de Secundaria y Bachillerato. El plazo termina el 24 de abril y las bases las tenéis aquí
  • XLI Concurso de Cuento y Poesía del IES Miguel de Cervantes (Ciudad Real) para alumnos de Bachillerato y Ciclos Formativos con plazo hasta el 30 de abril para su entrega. Consulta las bases.
  • XXIV Concurso de Relato Joven "El Fungible" de Alcobendas. Para escritores de 15 a 35 años; su plazo de entrega finaliza el 8 de mayo. Comparte las bases con el VII Premio de Novela Corta. Aquí tenéis las bases.

Bueno, ahora solo queda ponerse manos a la obra 


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viernes, 27 de marzo de 2015

Recomendación de teatro para marzo

En el mes especialmente dedicado a la mujer y a reivindicar su importante papel en cualquier sociedad, estas cuatro obras de teatro son representativas de la consideración que, la figura femenina, ha tenido en la literatura a través del tiempo. Si bien son textos de grandes autores, cuyas heroínas supusieron una ruptura en sus respectivas épocas,  la visión que ofrecen, no deja de ser desde un punto de vista masculino. Sin embargo, “El cascabel al gato”, nos ofrece una mirada femenina, aportando nuevos matices.

Quinientos años separan la primera de la última de nuestras recomendaciones de teatro para marzo y los valores esenciales y las preguntas que el ser humano se hace, siguen siendo los mismos.

 “La Celestina” – Escrito por Fernando de Rojas a finales del siglo XV, es un libro, a decir del autor, hecho para evitar los excesos que el amor produce. Recogiendo todos los tópicos y tipos del género tradicional amoroso, introduce el personaje de esta alcahueta o casamentera con otros “adornos” muy negativos y la convierte en protagonista de una historia llena de truculencias y de ejemplos poco edificantes. Celestina con su independencia, y su fuerza de carácter lo llena todo, hasta el punto de que su nombre cambió el título original de la obra (“Tragicomedia de Calixto y Melibea”).Esta versión tiene un valor añadido: la firma el gran poeta Luis García Montero, que ha mantenido la esencia del texto original, pero haciéndolo más comprensible a los lectores de nuestro tiempo.


 “La dama boba” – Esta comedia de Lope de Vega también trata de amor, pero como sentimiento capaz de educar; sin olvidar que a veces Cupido se comporta como duende que todo lo trastoca. Los enredos se suceden en los planes  de casamiento que les esperan a las dos hermanas protagonistas, con maneras de ser completamente opuestas. Como tema de fondo la educación femenina, limitada en aquella época (principios del siglo XVII) a ser recatada, obediente y conocedora de todas las tareas domésticas. Pero el gran Lope, con todo su ingenio, nos sorprenderá con giros inesperados.




“Yerma” – Una soberbia tragedia con el más puro estilo clásico, incluido el coro, en una obra repleta de modernidad. El problema de la esterilidad femenina, en el marco de una sociedad que ve a la mujer casada como mera reproductora, pasa de ser un inconveniente a una obsesión llevada al extremo. Pero García Lorca puso en este drama, como en todos sus textos teatrales, una enorme carga poética, simbólica y pasional que hacen de Yerma un personaje inmenso que desborda y sobrepasa el marco de la propia historia, un referente de la lucha continua contra el destino que mantiene el ser humano y, en este caso, especialmente la mujer.


 “El cascabel al gato” Lourdes Ortiz (Madrid, 1943) trata el mismo tema en este texto. Aquí las heroínas son dos camareras: una de ellas es una mujer de mediana edad con experiencia y la otra, una joven que empieza su vida profesional con toda la fuerza y la ilusión, pensando que tiene en su mano la llave de su propio futuro. El sino contra el que se rebelan las dos mujeres, es la dependencia de una figura masculina y, aunque cada una lo vive de forma distinta, el resultado es similar.



Con este viaje en el tiempo, os queremos hacer reflexionar sobre cómo ha cambiado la humanidad en cuanto a sus creencias, convicciones y costumbres; cómo ha evolucionado la contribución de la mujer en sus aportaciones a la humanidad y también cómo ha variado la manera en que es vista por el hombre. No obstante, a poca capacidad crítica que tengamos, nos daremos cuenta de que aún queda camino por recorrer y metas que conseguir hasta alcanzar una consideración igualitaria del hombre y la mujer. Es decir, que las capacidades, aptitudes y logros sean valorados independientemente del género al que pertenezca la persona.


En 27 de marzo es el Día Mundial del Teatro; se celebra a nivel mundial la importancia de esta manifestación artística. Ese día, en el Teatro Juan Bravo de Segovia, coincidiendo con la conmemoración del quinto centenario del nacimiento de Teresa de Jesús, se representa la obra “Miserere gozoso”, donde se narra la lucha consigo misma y con el mundo de esta mujer decidida a llevar a cabo su misión.


Además os recomendamos la lectura de un artículo en El Adelantado de Segovia (6 de marzo de 2015) de Apuleyo Soto, escritor segoviano, autor de teatro, que pone de relieve cómo las vanguardias teatrales ningunean a los autores de textos dramáticos, olvidando su importante papel a la hora de crear un espectáculo para las tablas.


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viernes, 20 de marzo de 2015

Recomendación de poesía para marzo

Clara Janés Nadal (Barcelona, 1940). Es hija del poeta y editor Josep Janés. Licenciada en Filosofía y Letras, estudió además Literatura Comparada en la Universidad de La Sorbona en París. Esta gran poeta que ha escrito novela, biografía o ensayo, es también una excelente traductora, especialmente de escritores checos y árabes. Su labor fue reconocida con el Premio Nacional de Traducción en 1997, por toda su obra, en este ámbito. Su libro de poemas “Los secretos del bosque”, obtuvo en 2002 el Premio de Poesía Gil de Biedma que convoca la Diputación Provincial de Segovia. (Podéis encontrarlo en nuestra biblioteca).

A esta sección traemos cuatro de sus poemarios que nos muestran la riqueza del lenguaje que utiliza, sus figuras recurrentes y la evolución de su poesía:




 “Las estrellas vencidas” son poemas de cercanía: observa todo cuanto la rodea y al describirlo, embellece y sublima su entorno. El ritmo y la composición de los versos tienen una estructura clásica aunque sin una rima patente. En este libro se apunta ya el universo de la escritora y sus símbolos.







          “Vivir” es un libro cuajado de dedicatorias a personas cercanas a la autora, escritores, artistas; pero también a lugares, animales, plantas. Destacan los poemas dedicados a Chillida, como elogio a la obra de este gran artista, y los inspirados en su padre, muerto prematuramente, en los que Clara plasma toda su tristeza y desamparo, ayudándose de pentagramas rasgados por gritos que casi podemos oír cuando los leemos.




     En “Rosas de fuego” se unen la poesía amorosa y la mística en una fusión con la naturaleza. Es un viaje de ida y vuelta, donde se confunden los límites entre lo humano, lo divino y todos los elementos naturales que nos rodean.


     

    “Los números oscuros”. Los números están presentes en todas las cosas: las matemáticas rigen el universo. La escritora nos presenta la relación con los otros y especialmente con el ser amado, como un ejercicio de descifrar enigmas y adentrarse en la búsqueda del último sentido de nuestra existencia.




El día 21 de marzo, cada año, se celebra el Día Mundial de la Poesía. En Segovia, el acto más destacado es el concurso poético “Día internacional de la Poesía” que llega a su 6ª edición, cuyo colofón es la edición de un libro que recoge los poemas  finalistas del certamen y que se leerán el mismo 21 de marzo, acto al que podéis asistir. Para animaros a participar en la próxima edición, consultad el blog de este evento y conoceréis las bases para concursar y las actividades organizadas para este año.

En nuestra biblioteca están los volúmenes de todas las ediciones anteriores.


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